Dämons, Tome 1 [Broché]

Après le très sympathique Full Ahead ! Coco, les éditions Doki Doki nous proposent de découvrir en français une autre oeuvre de Hideyuki Yonehara, et plus précisément son tout dernier titre en date: Dämons, remake très libre de l'histoire courte "Tetsu no Senritsu" ("Mélodie de Ferraille") d'Osamu Tezuka, nous propose de suivre la quête emplie de violence et de haine de Daimon Heito.
Eminent spécialiste de la nanotechnologie, il est puni par les siens quand il s'oppose à leur volonté d'utiliser ses recherches à des fins militaires. Torturé par ses cinq compagnons qui l'amputent des deux bras et tuent sa femme et sa fille, il est abandonné à son triste sort et laissé pour mort. C'est alors qu'un étrange professeur le recueille et lui sauve la vie. Puis ce dernier lui implante des prothèses de bras en acier qu'il doit apprendre à contrôler avec le "Zeithmos", une force psychique qui peut se montrer surpuissante et destructrice.

Ce premier volume nous met tout de suite dans le bain: le début, particulièrement dur et cruel aussi bien physiquement que psychologiquement, nous montre les horribles tortures que doit subir Heito, de la lente et douloureuse amputation de ses deux bras, jusqu'à l'horrible vision des cadavres des deux femmes de sa vie. Puis nous sommes amenés à suivre l'entraînement long et rigoureux, sous la tutelle du professeur, de notre héros qui doit apprendre à maîtriser ses nouveaux bras surpuissants. Cet entraînement est l'occasion de découvrir toute la détermination de Haito, qui progresse vite, et l'excès de haine et de rage qui le ronge totalement. Ne vivant plus que pour tuer ses cinq anciens camarades et étant prêt à tout pour cela, il apparaît désormais dépourvu du moindre sentiment, si bien qu'il semble avoir perdu toute humanité. Rarement un héros de manga n'a semblé si débordant de haine et de rage.

Le tome s'achève alors que Heito a fini son entraînement et est désormais prêt à commencer sa vengeance, et sert donc, en quelque sorte, d'introduction à une série où la haine et la violence semblent destinées à dominer. Un aspect parfaitement mis en avant par le style visuel de Hideyuki Yonehara: en s'appuyant sur un trait anguleux, dynamique et expressif, l'auteur n'hésite pas à mettre en scène et sans la moindre concession des scènes de violence dont l'apparente gratuité pourra choquer. De ce fait, bien qu'il s'agisse d'un shonen, le titre n'est pas à mettre entre toutes les mains.

L'histoire en elle-même, il faut bien l'avouer, paraît assez simpliste et semble destinée à être linéaire, et espérons donc que l'auteur sera capable de nous surprendre malgré tout.

Quoiqu'il en soit, ce premier volume, dans son genre, est très prometteur et nous prépare d'entrée à un très bon manga d'action furieuse qui ne semble absolument pas destiné à faire dans la dentelle.

Au niveau de l'édition, Doki Doki a effectué un très bon travail.

koiwai

(Critique de www.manga-news.com )

Fondateur du manga moderne, Osamu Tezuka révolutionne la bande dessinée après la Seconde Guerre mondiale, en inventant une grammaire graphique qui offre au manga des possibilités narratives aux confluents de la littérature et du cinéma. En 1946, New Treasure Island (Shin Takarajima, la Nouvelle Île au Trésor), d’après Stevenson, est le premier jalon d’une œuvre immense, sans équivalent dans la bande dessinée internationale. « Tout le manga depuis la Seconde Guerre mondiale s’est élaboré à l’intérieur des formes créées par Tezuka Osamu. » écrit le critique japonais Nobuhiko Saito.

Médecin de formation, Tezuka s’illustrera dans tous les genres narratifs, du conte pour enfants (Unico, Beeko-Chan) au drame historique et psychologique (Adolf, Ayako) repoussant toujours plus loin les limites de son art. Conteur sans égal, il invente le premier shôjô manga (récit pour jeunes filles) avec Princess Knight (Princesse Saphir) en 1953, le drame médical avec Black Jack (1973). Et passe avec allégresse et évidence du polar le plus noir (MW) à la tragédie (Shumari), du western (Angel Gunfighter) à la science-fiction (Wonder 3, Metropolis), de l’adaptation très personnelle d’une œuvre célèbre (Manon Lescaut, Faust, King Kong) au fantastique (Vampire, The Three-Eyed One), de l’érotisme (Pornographic Pictures ou ses longs-métrages 1.001 Nights et Cleopatra) aux robots géants (Ambassador Magma), de la biographie (Bouddha, Hidamari no Ki, Ludwig B) aux super-héros (Big X), du récit de samouraï (I’m Sarutobi, Dororo) à l’autobiographie (Makoto to Chiiko)… Quant au manga qui lui tenait le plus à cœur, c’est une fresque monumentale, mythologique et métaphysique, aux dimensions cosmiques, qui englobe tous les genres narratifs sans se réduire à aucun : Phénix.

Astro Boy ou le Roi Léo (plagié par Disney en 1995 avec le Roi Lion) ont rendu Tezuka célèbre dans le monde entier. Leur créateur insufflait tellement d’âme à ses personnages que ceux-ci semblent souvent animés d’une vie propre. Tezuka rappelait à ce sujet que le verbe « animer », du latin « animare » signifie bel et bien « donner une âme ». Une formule magique qui s’appliquait aussi à ses personnages de papier.

Son œuvre est également sans équivalent sur le plan quantitatif : plus de 400 volumes pour 150.000 pages dessinées. Par ailleurs, sa contribution à l’évolution de l’industrie du cinéma d’animation japonais est historique et essentielle : en 1963, avec l’adaptation de son manga Astro Boy en série télévisée, Tezuka invente l’animation limitée et tous les procédés qui permettront de réaliser un épisode hebdomadaire de vingt-six minutes pour un côut extraordinairement bas. Disney lui-même se passionne pour le personnage d’Astro Boy et reconnaît le génie de Tezuka. Ces innovations remarquables vont néanmoins entraîner des conséquences inattendues et parfois perverses : elles vont notamment figer les standards des coûts de production pour plusieurs décennies, et ce au détriment des créateurs, et parfois de Tezuka lui-même.

Parallèlement à ses nombreuses séries pour la télévision, Tezuka réalise pour le cinéma toute une série d’œuvres très personnelles et audacieuses, parfois expérimentales, dont les plus célèbres sont sans doute les courts-métrages Jumping (1984) et Broken Down Film (1985), maintes fois primés ; son adaptation des Tableaux d’une Exposition (1966) de Moussorgski, ou encore le fabuleux long-métrage, resté inachevé, Legend of the Forest (1987), vibrant hommage aux pionniers du cinéma d’animation, aux possibilités offertes par ce média et à sa fantastique puissance d’évocation. Ces dernières années, de nouvelles et brillantes adaptations viennent encore enrichir le regard que nous pouvons porter sur l’œuvre de Tezuka : c’est le cas des OAV et du long-métrage consacrés au personnage de Black Jack par Osamu Dezaki et Akio Sugino, ou encore du film de Rin Tarô, Métropolis (2001) qui adapte un des premiers récits du père fondateur.

Auteur de génie, l’œuvre de Tezuka apparaît comme une longue réflexion sur la condition humaine, spirituelle et généreuse, non-dualiste et toujours ouverte. Cette dimension exceptionnelle de son travail est particulièrement sensible dans les œuvres de la maturité, à partir des années soixante, notamment lorsque Tezuka fonde la revue COM, véritable laboratoire d’imagination créatrice et destiné à un public adulte. Surgissent alors Vampire (1966-69), Dororo (1967-69), Swallow the Earth (1968-69), Under the Air (1968-70) ou Human Metamorphosis (1970-71) ; puis Bouddha, Blackjack (1973-83), Shumari (1974-76), Nanairo Inko (1981-82), Adolf (1983-85), Midnight (1986-87) et bien sûr Phénix (1967-88), pour ne citer qu’eux. Tous comptent parmi ses chefs-d’œuvre.

Quand Osamu Tezuka disparaît en 1989, le Japon lui célèbre des funérailles nationales, comparables à celles de Hugo en France, un siècle plus tôt. Il est au Japon l’auteur le plus populaire, le plus lu et apprécié du vingtième siècle.


Rodolphe Massé