Debussy - Pelléas et Mélisande - Glyndebourne Festival Opera

 

 

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On peut admirer infiniment Debussy et avoir longtemps du mal avec Pelléas, à cause du texte déroutant de Maeterlinck, à cause de la tristesse étouffante qui enveloppe cette oeuvre, par ailleurs si sensuelle. Cette production du festival de Glyndebourne, que le commentaire précédent a déjà bien décrite, est de nature à réconcilier, s'il est besoin, le spectateur/ auditeur avec une partition à la singularité troublante de laquelle il est ici rendu pleinement justice.

Décors et éclairages sont manifestement inspirés de la peinture des années Debussy : un grand salon, un festival de couleurs chaudes, séduisant au possible (tout se passera au même endroit et forêt et jardins sont des projections intérieures). Le metteur en scène Graham Vick fait se succéder des tableaux vivants qui donnent à tout visiteur des musées, à tout amateur de Renoir et de Manet, une impression de familiarité.

A ma grande surprise, le chef Andrew Davis se révèle excellent. Il met en valeur l'extraordinaire partie orchestrale de manière fine et attentive, et obtient de l'orchestre une sonorité pleine et riche.

Christiane Oelze est proche de l'idéal, voix d'une envoûtante pureté, physique de modèle pour un peintre de jadis. Elle séduit, et elle émeut.

On est étonné de la qualité de la diction des trois personnages principaux, le juvénile Pelléas de Richard Croft, auquel je trouve beaucoup de musicalité, le Golaud de John Tomlinson, excellent acteur au demeurant, jamais meilleur que lorsqu'il bascule dans la violence (acte IV).

Comme l'a écrit Jerry Fodor dans le compte rendu d'un livre de Bernard Williams On Opera, Pelléas est l'inverse d'un drame psychologique : c'est « un opéra dans lequel tout est mystérieux parce que rien n'est caché».

Cette production remarquable nous permet aussi de méditer la vérité de cette remarque.

Ce Pelléas, capté en direct au festival de Glyndebourne en 1999, n'appelle quasiment que des éloges.

Les décors de Paul Brown se situent au début du 20e siècle, dans une luxueuse demeure dotée d'un grand escalier en spirale, avec un sol composite recouvert d'un vitrage. Les éclairages de Thomas Webster, magnifiques, contribuent fortement à illustrer l'action, et les caméras sont particulièrement habiles pour capter une expression ou un geste au bon moment.

L'action débute avec Golaud prostré dans un fauteuil, qui manifestement se remémore une tragédie récente. Quand il découvre Mélisande pleurant au bord de l'eau, le spectateur la voit allongée sur une table, enroulée nue dans un drap. D'autres scènes sont tout aussi oniriques, comme celle des souterrains du château, qui se déroule dans un rêve éveillé de Golaud et Pelléas. Cette option de mise en scène par Graham Vick n'est pas totalement nouvelle ; ici elle se révèle extraordinairement belle et crédible. Elle peut déconcerter ceux qui n'auraient jamais vu Pelléas, mais ce risque est tempéré par la précision du texte chanté, qui permet à l'auditeur de se recadrer.

La scène de la Tour justifierait à elle seule l'achat du DVD pour sa beauté et son érotisme : Mélisande (aux très longs cheveux) y flotte dans un immense lustre Art déco. Autre grande réussite, les adieux de Pelléas à Mélisande deviennent terrifiants quand approche Golaud devenu fou. Il y a toutefois une faute de goût à l'acte 4 quand le vieux roi Arkel loue la jeunesse de Mélisande : Vick le fait embrasser sur la bouche sa bru très mal à l'aise. Mon seul regret porte sur la scène des moutons, car Vick peine à la rendre pleinement compréhensible (comme quasiment tous ses collègues). Ici Yniold joue avec des moutons miniatures, et un serviteur vient les piétiner d'un air méchant. Le drame s'achève comme il a débuté, avec Golaud dans un fauteuil et Mélisande allongée sur une table.

Côté musiciens, le chef Andrew Davis et les musiciens du London Philharmonic Orchestra sont superbes, avec un son très romantique. Un seul bémol, la musique submerge parfois les chanteurs, notamment au cours des actes 3 et 4.

Côté chanteurs / acteurs, l'allemande Christiane Oelze (Mélisande) est éblouissante à deux titres. D'abord elle est extrêmement belle, de cette beauté faussement ingénue qui cadre bien avec une Mélisande de légende. Sur le plan vocal le chant comme la diction sont impeccables.

John Tomlinson, dans un français parfait, incarne d'une manière très crédible un Golaud tendre et sensible, qui ne dérape pas dans la fureur comme un José van Dam, mais qui sombre dans une froide folie.

Le ténor américain Richard Croft est très bon, sans atteindre l'excellence de Oelze et Tomlinson. Il fait preuve d'une très grande facilité tant vocale que sur le point de la diction, même si une pointe d'accent émerge parfois.

Pour les seconds rôles, Jake Arditti en Yniold est remarquable ; il prouve qu'un garçon de 12 ans peut (parfois) faire aussi bien qu'une soprano, avec bien sûr plus de crédibilité.

Jean Rigby chante bien en Geneviève, mais avec une diction en retrait. Le vrai point faible de la distribution est Gwynne Howell en Arkel, qui chevrote un français peu intelligible, et dont le chant manque d'agilité sans pour autant bénéficier d'un beau grave. Son lourd maquillage lui donne aussi une allure de "Père Fouras du Fort Boyard", ce qui fera pouffer les spectateurs français.

Sur le plan de la réalisation physique, l'opéra tient sur un seul DVD, et les changements de scène sont signalés par incrustation dans l'image, ce que personnellement j'apprécie. Mais le coffret ne comporte qu'une brève notice (en anglais) au revers de la couverture, avec quand même un répertoire des plages du DVD avec les titres français.

En résumé, vous tenez ici un Pelléas de premier plan, très bien chanté et dirigé, et qui ne suscite pas l'ennui contrairement à certaines mises en scène "conceptuelles". Si vous êtes rebuté(e) par l'onirique et/ou les lustres Art déco, tournez-vous vers la version dirigée par Pierre Boulez et mise en scène par Peter Stein.

J'ai toujours aimé cette musique, mais n'avais jamais trop goûté les représentations souvent tristes, sombres et soporifiques.
Et voilà un enchantement, produit par des anglophones, s'exprimant parfaitement dans notre langue, et qui nous enchantent dans une version de toute beauté, pleine de poésie, de sensualité, de couleur, de lumière, dans un univers onirique et intemporel.
L'expression des sentiments émeut tout au long de l'oeuvre, Mélisande illumine véritablement par sa beauté et son interprétation jusqu'à la scène finale où ses angoisses la reconduisent dans cet autre monde dont elle venait peut-être.
La couleur n'est pas seulement sur la scène, elle est avant tout dans l'interprétation musicale que nous donne Andrew Davis qui sait faire exprimer par son orchestre ce que les mots ne peuvent dire et accentuer le symbolisme.
Voici l'un des plus beaux hymnes à l'amour de tout le répertoire, c'est éblouissant d'émotion et de splendeur, la référence absolue.

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