"Astérix et les Normands" est à juste titre considéré comme l'un des meilleurs albums de la série, reposant sur l'idée drôle et originale que les Vikings ne connaissent pas la peur (tandis que les Gaulois ne connaissent que celle que le ciel puisse leur tomber sur la tête, c'est bien connu). Et comme Goscinny a assez de lettres pour ne pas risquer l'anachronisme - si ce n'est à dessein bien sûr - ses Normands sont plus proches de ceux de nos jours (qui hésitent entre "oui" et "non" et mettent de la bonne crème dans tous leurs plats) que des guerriers venus du nord qui déferleront sur l'Europe quelques siècles plus tard. Le trait d'Uderzo est également particulièrement réussi.

La passion charnelle de deux hommes sur fond de musique, de pratiques SM et et drogue.

Malgré d'évidentes qualités, au premier rang desquelles l'alchimie entre ses deux interprètes principaux, Guillaume Gouix et Matila Malliarakis, "Hors les Murs" porte la trace des maladresses inhérentes aux premiers films, comme une histoire qui manque de lignes de force et qui s'égare et nous égare dans ses méandres. David Lambert réalise un premier film intéressant mais au traitement un peu trop étroit pour échapper au circuit/ghetto labellisé "cinéma gay" et espérer toucher un public plus large.

Il y a des albums sur lesquels tout le monde s'accorde pour les trouver géniaux (comme "Le Lotus Bleu" ou "Les 7 Boules de Cristal"), il en est d'autres que spontanément vous, moi, citerions commue nos albums favoris même si l'on est au fond conscients que ce ne sont pas forcément tout à fait les meilleurs. "Le sceptre d'Ottokar" est pour moi symptomatique de ctete seconde manière, l'album que j'adore pour des raisons autant dûes à Hergé qu'à mes propres fantasmes. Il y a dans ce Tintin en Syldavie une intrigue qui rappelle celles à la mode en ces années 30, façon "Prisonnier de Zenda" hollywoodiens, un royaume d'opérette opportunément situé en Europe centrale. Sans doute parce que j'adorais ces films de cape et d'épée et de mystérieux sosies (ici ce n'est pas le roi qu'on mystifie mais le professeur Halambique) La mise en couleurs ultérieure a également été l'occasion de redessiner, de "balkaniser" les décors pour un résultat magnifique. Mais à y regarder de plus près, cette Syldavie, royaume pacifique et un peu à l'ancienne, que menace la Bordurie à tendance fasciste, cherchant le coup de force et le coup d'état, tout cela ne préfigure-t-il pas d'autres évènements, un climat inquiet qui est celui de la Belgique, d'Hergé lui-même, en cette année 1938 ? Heureusement, comme le précise la devis syldave "Eih bennek, eih blavek" qui me fasinait tant enfant (j'avais même demandé en cadeau le sceptre d'Otokar !), "qui se frotte (à Tintin) s'y pique" !

Dans le bayou de Louisiane, victime de la montée des eaux, une petite fille nommée Hushpuppy lutte par la poésie et la force de son imaginaire contre la vie à la dure que lui mènent son père et la nature. Le film de Benh Zeitlin est empreint de poésie, à l'image de ces aurochs librés des glaces que conjure Hushpuppy (formidablement interprété par une vraie graine de star, Quvenzhané Wallis). Il y a du Terrence Malick dans la thématique du film, moins dans la mise en scène, façon docu vidéo image peu léchée. Mais le tout fonctionne joliment.

J'avoue que j'avais (à tort, je veux bien le croire) un peu perdu de vue les frères Taviani depuis l'époque de mes cours d'italien où nous regardions "Padre, Padrone" et "La Nuit de San Lorenzo" ou quand j'allais voir " Good Morning, Babilonia" au cinéma. À 80 ans, passés ces deux géants du cinéma italien n'ont pourtant rien perdu de leur force et de leur poésie.

"César doit mourir" raconte comment des prisonniers condamnés à de lourdes peines participent à un atelier théâtral et montent le "Jules César" de Shakespeare. Les Taviani filment le tout à mi-chemin entre documentaire - puisque les prisonniers interprètent leur propre rôle - et fiction. La fiction puisqu'ils s'approprient le texte jusqu'à le restituer en dialecte napolitain (rendant le sous-titrage nécessaire même si vous parlez italien) mais aussi parce qu'ils vivent de l'intérieur les situations antiques revues par les conventions du théâtre élisabéthain. Du coup, on ne sait plus s'ils jouent à monter la pièce ou si la pièce n'est pas tout simplement transposée dans le contexte de la prison. Les "acteurs" sont d'une grande puissance, ont l'énergie du désespoir (la plupart dont toujours en prison actuellement, certains n'en sortiront jamais et ils nous "confessent" leurs crimes au début) et la mise en scène est élégante, assez distanciée. Un film très fort et qui ne laisse pas indifférent ni n'édulcore rien. À la fin, un des condamnés porte une jugement doux-amer sur l'expérience théâtrale : "Maintenant que je sais ce que c'est que l'art, ma cellule es vraiment devenue une prison".

Bercés par la voix profonde et chaude d'Anggun (dans la version française, Patrick Stewart dans la V.O.), nous passons une saison (et non pas un seul jour) sur Terre, du pôle Nord au pôle Sud ce qui permet, en franchissant l'équateur, de passer de l'hiver arctique à l'été austral. Grâce à la magie de la HD, nous voyons la vie sauvage plus belle que jamais, plus fascinante. Si le film apporte peu de révélations (des mères protégeant leurs petits, des prédateurs chassant leurs proies, des migrations saisonnières etc.) et si le commentaire reste classique (montrer la fragilité du monde pour nous inciter à le protéger), les images sont en effet d'une stupéfiante beauté.

Avec "Astérix chez les Bretons", Goscinny et Uderzo signent un de leurs tout meilleurs albums. Quelle trouvaille scénaristique qui consiste à montrer cette langue bizarre qu'est l'anglais qui inverse l'ordre des noms et des adjectifs et tous les clichés sur nos meilleurs ennemis, nous voisins d'Outre-Manche. Car il va de soi que c'est bien et notre façon de parler et nos us et coutumes qui sont les seuls acceptables ! Le génie de l'auteur est bien entendu de jouer sur la similitude dans les caricatures, parfaitement servi par l'autre génie, celui du dessinateur, qui sait précisément ce que caricature veut dire. Et au final, Bretons comme Gaulois, nous sommes frères quand il s'agit de se rebeller contre l'envahisseur romain !

Tragédie d'une grande puissance, "Hécube" raconte la chute de la reine de Troie, rendue en esclavage et forcée de voir mourir sa fille tandis que son fils, qu'elle croyait en sûreté, est lui-même assassiné par le roi de Thrace qui en avait la garde. Rendue folle de douleur, elle n'a de cesse que d'assouvir sa vengeance de manière si terrible qu'elle s'aliènera les dieux et les hommes et finira (après la pièce où cette transformation n'est que prophétisée) changée en chienne.

La psychologie des personnages est très bien rendue, le style magnifique et la pièce contient de nombreuses et belles citations dont cette interrogation, sublime, dans le contexte de l'époque, où dans tant de malheurs qui accablent la reine, Euripide semble douter un moment (par le truchement de ses personnages) de l'existence de dieux qui supporteraient tant de cruauté : "Est-ce faux, ce qu'on croit, qu'il existe des dieux ?". Une interrogation furieusement moderne.

"Tintin en Écosse" aurait tout aussi bien pu être le titre de cet album dont la créature qui habite l'île apparaît aussi comme un prototype du Yéti de l'album au "Tibet". C'est une aventure un peu mineure (après tout, il ne s'agit que de démasquer une bande de faux monnayeurs) magnifiée par un trait époustouflant.

Bien sûr, l'enfant que j'étais quand j'ai découvert cet album ne saisissait pas la raison du dessin plus mature que dans l'aventure qui le précédait ("L'Oreille cassée") et dans celle qui suit ("Le Sceptre d'Ottokar"). C'est qu'à la version originale en noir et blanc d'avant guère, puis à celle en couleurs des années 40, Hergé et son studio ont substitué une troisième version dans les années 60 à la demande de son éditeur anglais qui voulait une vision correcte et précise du Royaume-Uni. Je ne rentrerai pas ici dans le jeu des comparaison qui agitent la sphère tintinophile. J'aime cette dernière version à la fois pour ses qualités propres et sans doute pour celles que je lui prête de façon plus personnelle (c'est la version que j'ai d'abord connue). Même si j'ai mieux compris par la suite quelques petits anachronismes... comme lorsque Tintin semble s'étonner de découvrir un poste de télévision, vision effectivement stupéfiante dans les années 30, beaucoup moins 30 ans plus tard...

À l'origine, je croyais ne voir là "que" un film sur la peinture... même si ce n'est pas forcément péjoratif : "Van Gogh de Pialat" comme "Un Dimanche à la campagne" de Tavernier sont des preuves parmi d'autres que le genre a su produire ses chefs d'oeuvre. Oui mais pas seulement. Ainsi que l'affiche aurait dû me mettre la puce à l'oreille, on aurait pu dire "Les Renoir" puisqu'il s'agit aussi bien de Jean, le futur cinéaste, que de son père, Auguste, le grand peintre (sans oublier un frère aîné et le cadet, le futur céramiste Claude). Filmé lentement (un peu trop à mon goût) dans une photographie luxuriante, avec toutes les couleurs de la palette impressionniste du maître, le scénario reste très lisible même pour un profane, sans tomber à l'inverse dans le didactique. Christa Theret dans le rôle d'Andrée Heuschling dite Dédée est le dernier modèle du peintre, capable d"éveiller chez le vieillard perclus de rhumatismes un dernière poussée de sève artistique, mais aussi un trait d'union avec son fils, hériter mou qui se cherche encore et qu'elle aidera à devenir un grand cinéaste. En ouvrier de la peinture, ainsi qu'il se vit lui-même, Michel Bouquet est un Renoir fidèle et attachant.