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le 6 avril 2004
Ne pas se fier à l'étiquette musique contemporaine. Reich transcende tous les genres : musique pop, musique du monde et même jazz (il a collaboré avec Pat Metheny par exemple). Cet album constitue un des meilleurs exemples par son accessibilité, sa simplicité, sa beauté. Des instruments, des percussions et des voix jouent des boucles répétitives très courtes qui s'entrelacent pour donner lieu à une mélodie entêtante et hypnotique. Ca dure une heure (que l'on ne voit pas passer) et ça peut se répéter à l'infini. Vous comprendrez réellement ce qu'est le mouvement perpétuel. Si la démarche est cérébrale, le résultat parle aux sens. Enfin, et ce n'est pas rien de le préciser, cette pièce enregistrée dans les années 70 résiste merveilleusement au temps et est une source d'inspiration permanente pour la musique électronique, alors même qu'il n'y a pas un seul élement électrique à l'oeuvre. Essayez, c'est bluffant !!
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le 28 février 2008
Attention, vous être prêts pour le grand voyage ?
« Play », c’est parti. Dès les premières secondes, on est transporté dans un monde onirique.
On pourrait comparer cela à l’activité cérébrale pendant le sommeil où chaque changement de variation correspond à un changement de phase.
Après un périple d’un peu moins d’une heure, on est complètement apaisé, rafraîchi.
Je conseille vivement cette musique pour les gens qui sont en quête de détente et pas uniquement aux amateurs de musique classique.
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le 22 janvier 2011
Il faut prendre le temps (56 minutes) pour se laisser sombrer dans la force de cette musique "répétitive minimaliste". 56 minutes d'abandon total, en se concentrant sur ce que l'on entend. Repérez le metalophone qui donne le signal des changements de séquence, c'est magique ! Heureux ceux qui vont découvrir cette oeuvre maitresse.
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le 4 décembre 2011
J'ai offert ce CD à un ami après avoir vu Steve Reich en concert, notamment la pièce écrite pour 18 musiciens avec des énormes xylophones; ce morceau, c'est un peu comme une goutte d'eau qui rebondit sur une surface, faisant un bruit, puis le bruit se dédouble, se triple, etc. et sur la base de notes répétées, on arrive à un son qui englobe tout l'espace, très mélodieux. Parfait pour se détendre et s'ouvrir à la contemplation! L'ami m'a envoyé un message en me disant : "Dément. Dément. Merci."
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le 18 juin 2014
Les précédents contributeurs ont décrit cette œuvre avec brio, je n'ai rien de pertinent à ajouter.

Je voudrais juste attirer l'attention des amateurs de mp3 sur le fait que l'album est divisé en 14 morceaux.
Dans cet album, l’orchestration est continue, c'est à dire qu'il n'y jamais de blanc entre les morceaux. Avec la version mp3, vous risquez pourtant d'entendre des coupures entre chaque morceaux et ces coupures sont induites par le lecteur mp3.
Ceci dépend bien entendu de votre lecteur mp3, vous n'aurez pas de problème si votre lecteur est "gapless" (c'est à dire qu'il n'introduit pas de blanc entre les morceaux).
Je préconise donc de vérifier le comportement de votre système de lecture mp3 dans ce type de situation, sinon vous risquerez comme moi de regretter de ne pas avoir opté pour la version CD.
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Le minimalisme fait beaucoup avec très peu'

Ici la variation infinitésimale brode un canevas qui se décale, se déploie et diverge tout en gardant au coeur de soi l'unité de base'

D'une sorte d'organisation fondée sur le motif le plus simple possible naît un chaos créatif qui s'agence en nuages fractalux dôtés d'un attracteur étrange répétant à l'infini le message originel.

Beau comme un lever de soleil sur le désert, un panache de fumée se dispersant lentement au vent ou un tourbillon d'eau se ranimant au contact de flux turbulents.
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le 8 janvier 2006
indispensable pour tout amateur de musique répétitive. cette oeuvre synthétise magnifiquement la recherche musicologique de steve reich dans sa technique de déphasage. à noter le travail particulier sur la substitution progressive de timbre pour une hauteur de son restée constante.
dommage que l'enregistrement comme le mastering soit analogique. La qualité de la restitution manque ainsi, peut etre, de clarté et de précision.
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le 25 septembre 2012
S'il fallait retenir toutes musiques confondues (classique, pop, jazz, ...) les œuvres les plus marquantes du XXème siècle, il est certain que cette "Music for 18 Musicians" de Steve Reich y occuperait une place de choix. N'ayez pas peur ! C'est tout simplement fascinant et génial. Pas besoin d'être introduit dans le sérail des accrocs à la musique contemporaine pour aimer. C'est suffisamment savant pour être génial et tellement génial que tout le monde va tomber en pâmoison en écoutant cette œuvre. Le plus beau concert de ma vie !
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le 26 juillet 2016
Le morceau n'est pas en entier et s'arrette avant la fin... c'est juste tres dure quand tu es un trans depuis 52 mn avec ce monument de la musique repetitive populaire !!!!!!

alors peut etre que c'est juste pour moi que ça a fait cela mais vu que je n'arrive pas a faire de reclamation je passe par la !
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le 25 juillet 2009
Steve Reich, de son vrai nom Stephen Michael Reich, est né en 1936 à New York, USA. Durant son adolescence, il découvre le jazz par l'intermédiaire de ses amis ; sa passion pour le rythme le pousse à étudier sérieusement les percussions avec Roland Kohloff, timbalier du New York Philharmonic. Il obtient son diplôme de philosophie de la Cornell University en 1957, mais décide de poursuivre des études de musique à la Juilliard School of Music de New York, où il est inscrit de 1958 à 1961 dans les classes de piano et de percussions avec Vincent Persichetti (1915-1987) et William Bergsma (1921-1994), mais suit aussi des cours de composition privés avec le pianiste de jazz Hall Overton (1920-1972). C'est également durant cette période qu'il rencontre Peter Schickele (né en 1935), Philip Glass (né en 1937) et Art Murphy (1942-2006). De 1962 à 1963, il étudie la composition avec Darius Milhaud (1892-1974) et Luciano Berio (1925-2003), nouvellement recruté au Mills College d'Oakland en Californie. Sous l'influence de ce dernier, les compositions de jeunesse de Steve Reich sont écrites dans le style dodécaphonique, mais déclarera plus tard, en réaction, que « John Cage et le sérialisme ont surtout représenté pour moi une influence à combattre », et que ses influences musicales fondamentales sont les oeuvres de Jean-Sébastien Bach, de Claude Debussy, d'Erik Satie, de Maurice Ravel, de Béla Bartók, de Kurt Weill, d'Igor Stravinsky, ainsi que le jazz, avec en particulier les compositions de John Coltrane (1926-1967) ; il reconnaît également qu'une autre grande influence sur sa musique vient du cantus firmus, mélodie des organums de Pérotin, compositeur de l'École de Notre-Dame de Paris au XIIe siècle. Il rencontre en 1964 Terry Riley (né en 1935), et collabore, en 1969, avec Moondog (de son vrai nom, Louis Thomas Hardi : 1916-1999) et Philip Glass dans leur démarche commune de créer un mouvement musical minimaliste, initié quelques années plus tôt. Il poursuit par ailleurs son apprentissage musical, en particulier des percussions africaines, auprès de Gideon Alorworye à l'Institut d'Etudes Africaines de l'Université du Ghana à Accra, où il passe l'été 1970, et du gamelan indonésien, cette fois-ci à Seattle et en Californie, notamment avec Nyoman Sumandhi, de 1973 à 1974. A partir de 1976, il effectue un retour vers le judaïsme, et toute la période postérieure aux années 1980 est marquée par des implications philosophiques, religieuses, historiques et politiques importantes dans l'écriture de ses oeuvres.

Parmi les oeuvres majeures qu'il a composé à ce jour, on peut noter « It's Gonna Rain » (1965), « Come Out » (1966), « Piano Phase » (1967), « Violin Phase » (1967), « Pendulum Music » (1968), « Four Organs » (1970), « Drumming » (1971), Clapping Music (1972), « Music for Mallet Instruments, Voices, and Organ » (1973), « Music for 18 Musicians » (1976), « Music for a Large Ensemble » (1978), « Variations for Winds, Strings and Keyboards » (1979), Octet (1979), « Tehillim » (1981), « Eight Lines » (1983), « The Desert Music » (1984), Sextet (1985), « New York Counterpoint » (1985), « Three Movements » (1986), « Six Marimbas » (1986), « Electric Counterpoint » (1987), « The Four Sections » (1987), « Different Trains » (1988), deux Opéras multimédia, « The Cave » (1993) et « Three Tales » (2002), « Nagoya Marimbas » (1994), « City Life » (1995), « Proverb » (1995), « Triple Quartet » (1998), « Electric Guitar phase » (2000), « Tokyo/Vermont Counterpoint » (2000), « Three Tales » (2002), « Cello Counterpoint » (2003), : « You Are (Variations) » (2004), « Daniel Variations » dédiées à Daniel Pearl (2006), ou bien encore « Double Sextet » (2007).
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